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9012 de Fondo

Por: Carlos del Valle, colaborador de LatinAmericanArt.

Que es esto? Una fecha  específica, una cábala numérica o simplemente una medida de alguna obra? No lo sé pero estoy aquí para averiguarlo. Tengo el honor de ser invitado a la inauguración de Carlos Robles presentada  en  Castleberry  Hill  2nd Friday Art Stroll.

Me encuentro en la Galería Hacienda NO MAS  que es parte del  Vecindario cultural de tradición en Castleberry Hill ubicado en el corazón de ATLANTA Georgia. Este lugar es cálido en su ambiente y recepción con toque Mexicano, tomo una invitación, leo la trayectoria de Carlos y lo que presentará en su exposición, me percato inmediatamente que la colección consta de 21 obras donde predomina un alto contraste en su paleta con colores ocres y cálidos, logrando una mezcla especial  de extravagancia  en cada lienzo. Veo arribar al artista, de altura promedio y usa traje azul para esta presentación, de pasos lentos y con  Coca-Cola en mano se nota un poco nervioso pero  su seguridad está en la creación de esas obras donde utiliza combinación infinita de técnicas pasando por chapopote y terminando en pastel, con influencia en las corrientes  surrealistas  y el figurativo.

Walt y Steve dan la bienvenida a los presentes y dan el inicio del evento. Comienzo a recorrer la exposición como nos indicó Carlos haciendo alusión que la museografía desprende de una historia  donde cada obra tiene una secuencia que -pocos comprenderán en su totalidad- , El interés comienza desde el título ejemplo: La semilla de  Tiamat,  puntos en el cielo, sobre la luna por citar algunas, en esta colección encontrarás detalles  como La Barca, escaleras, semáforos, aviones, sin olvidar la equilibrista que logra sobrevivir a todo el caos de una ciudad. Todo esto de una manera orgánica que vuelve su estilo único y de trascendencia.

La mayoría de los presentes se preguntaban si en cada obra existían bocetos o trazos previos, la respuesta la dio el artista al comenzar una obra frente a los asistentes, esto deleitó al público, no tengo memoria de cuál último pintor realizara esto pero el hecho de tener la interacción con los presentes tornó el ambiente de energía positiva y de admiración hacia él, algunos de los afortunados de asistir al evento pasaron largos minutos viendo como, de una ¨mancha¨,  comenzaban a surgir figuras y objetos  sin trazo previo , esta obra la tituló ¨NOMAS¨.

Pocos pintores tienen técnica única que los vuelve inconfundibles y este es uno de ellos.

La duda con la cual comencé terminó. La respuesta es 9012 de Fondo, es el día y el año del evento con un cero en medio sin valor alguno, está  plasmada en una obra compuesta de siluetas humanas de espectros, con un fondo azul de esperanza, pasando por rocas y al centro el  cuerpo de una mujer desnuda de grande cadera y tornando sus brazos a la simulación de un abrazo propio para  cubrirse, siendo el punto de atención del espectador.

Todos sus elementos son orgánicos en las obras. Este Artista se distingue por su atrevimiento a explorar nuevas técnicas y mezclar objetos que para algunos espectadores, les costará más de una visita comprender. El no espera las tendencias porque él propone, alguna vez escuché decir: ¨El miedo a ser diferente es el inicio entre ser un artista más y alguien que quiere trascender¨.

Carlos del Valle

Motivos: búsqueda vital y hallazgo cotidiano.

“…el arte es armonía…”

George Seurat

“…la imaginación se convierte de nuevo

en la reina de nuestras fuerzas…”

Maurice Denis.

Para el diletante que se acerca a una exposición, el grabado, como la escultura y la cerámica, continúan guardando el espíritu del atelier renacentista. La tecnología que convirtió los pigmentos en pinturas industriales no ha podido derrotar al taco, aunque lo repita por años. Aquí no se encuentran pruebas de autor, o pudiera entenderse que todas los son en su desigualdad. Al cabo de casi tres décadas el creador se permite “revivir” algunas obras, salvar una matriz xilográfica, imprimir nuevas colografías y monotipias, dejar constancia visual de la destreza en el dibujo, así como de aquellos trabajos que se perdieron entre instituciones y compradores, amigos y donaciones, en los sueltos que a modo de catálogo-memoria circuló entre los asistentes a la muestra.

Avelino García Pérez, “Avelo”, quiso mostrar a sus maestros de Santiago de Cuba el fruto de sus inquietudes y desvelos, del agitar constante de gubias y tórculos, solo interrumpido por la labor docente. El Taller Cultural “Luis Díaz Oduardo”, fue el espacio propicio para la apertura de la expo 29 años y el protocolario vernissage, realizado el pasado 14 de septiembre. Tomar por asalto esta plaza fuerte del grabado cubano se antojaba esfuerzo quimérico, pero el diálogo de las obras y el autor con el público y los artistas de esta urbe oriental dio como resultado la aceptación de sus valores intrínsecos, la renovación ideoestética del propio Avelo y la apertura de nuevas propuestas de intercambio cultural.

El espacio donde se reúnen piezas de una exhibición antológica, como la que nos ocupa, suele estar imantado, sujeto, a un hilo existencial urdido con emoción autobiográfica, generalmente a salvo de lugares comunes y excesos del mercadeo, al que ningún artista es plenamente inmune. Por ello, cuando Avelino mira hacia el pasado, incluso reciente, armado del pleno conocimiento de las cuatro nobles verdades, no busca regodearse en reconstrucciones egocéntricas alimentadas por el sentido aristotélico de la catarsis, sino de un sentido distinto que la incluye, en pelea constante, para alcanzar un nuevo estado de conciencia iluminada. En palabras de Siddarta Gautama en Uruvel:

“Yo no apilo leña para fuegos ni altares;

yo enciendo una llama dentro de mí,

mi corazón es el hogar, la llama es el sí mismo domado”[1]

En este trayecto vital, sin embargo, no acaba de renunciar al ciclo de renacimientos: se debate entre aquellas realidades que le han marcado. De ahí que en su recorrido destaquen series que en modo alguno resultan antitéticas pues van imbricándose paulatinamente en una transformación que siempre contiene elementos retrospectivos. Los primeros años marcaron derroteros en los que su obra mezclaba un sentido particular de lo grotesco (sus “bichos”) con la mirada descarnada hacia los metarrelatos de la Historia del Arte y allí se fundían los paradigmas, Leonardo, Edvard Munch y Duschamp, Carlos Enríquez, con sus visiones del mundo, del medio al que era imposible escapar. Puede pensarse que respondía a aquella arenga intelectual de Jorge Mañach en La crisis de la alta cultura en Cuba: “Ha llegado la hora de ser críticamente alegres, disciplinadamente audaces, conscientemente irrespetuosos.”

Entonces, tan posmoderno y carnavalesco modus operandi de los noventa, basado en el reconocimiento tácito de que en “el mundo actual, la cultura material, como serie de imágenes, carece de la noción de propiedad,”[2] rozaba lo trágico al despertar de paso el motivo de la iconografía religiosa y ofrecer una visión aterradora de la Nuestra Señora de la Caridad (conservada en uno de los sueltos), y no precisamente por sus cadavéricas facciones, sino por reflejar más a los que buscan el objeto representado (la imagen), que a su “contendido místico” y sus “valores auténticos”, con una fe torcida y egoísta que olvida el mandato del amor, en medio de circunstancias de penuria percibida en numerosos símbolos de evidente intertextualidad e imágenes de inanición y comercio sexual. De otro lado, en la “reestructuración” formal y conceptual de La Última cena tiene lugar un desplazamiento de sentido que la sitúa en las antípodas de su extensa lista de predecesoras como señalamiento del rejuego de los opuestos libertad/esclavitud construido sobre los discursos históricos del poder temporal y espiritual y el mismo artista la convirtió en motivo de un acercamiento doble, al ofrecer dos versiones “prisioneras” de la realidad individual y colectiva.

El dolor, expresado en el tema de la muerte (en la serie Violencia callejera), la enfermedad y la frustración, va conduciendo por un sendero camuflado en la sensual naturaleza de Gaya y en escarceos amatorios sin rostro. La huella de la ciudad y del golfo que la baña y vive unido a ella, se dejó sentir junto a las utopías de la modernidad cubana, amén de sus conflictos vívidos en la depauperación del entorno urbano, la incomunicación y las fatigas de la subsistencia. También el amor filial, la amistad, la admiración, se encontraban en la serie de retratos, expuesta en julio de 2011, de la que Avelo quiso dejar una muestra. En esta otorgó un papel primordial al uso expresivo del color. Pistas: notas del artista que no se comporta como el impresor metódico que emplea toda la superficie cuadrangular con esa suerte de horror vacui presente a lo largo de la tradición, sino que privilegia, sobre todo en la colografía los objetos y seres representados.

No obstante, al igual que en la xilografía, se observa una riqueza de textura y limpieza que llaman a la contemplación puramente hedonista, si no fuera por aquellos “tropos” que vuelven a situar al espectador en la contradicción fundamental que se cierne sobre el artista, reflejada en la otra serie medular: Alcanzando la iluminación. De hecho, el conjunto alcanzó claridad meridiana a la luz de las concepciones filosófico-religiosas que afloran cuando se intenta responder a través de sus obras a las preguntas ¿qué es el sufrimiento? ¿cómo surge? ¿cómo puede ser superado? ¿por cuál camino puede alcanzarse su fin? Aunque justo en el arte parece radicar ese punto donde el Yo se afianza por encima del óctuple sendero y acepta el karma como natural consecuencia de los actos que le permitieron hablar mediante estas piezas y provocar la reflexión del público que, ajeno o no a sus luchas, encontrará motivos de duelo o liberación.

Carlos Escala Fernández

Renato González: Irracionalidad artística

Por Carlos del Valle colaborador de LatinAmericanArt

Domingo al medio día, voy llegando al poblado de  Nepantla, mejor conocido como la tierra de Sor Juana. Nepantla es un pequeño poblado con menos de 2,200 habitantes, localizado en el Estado de México.

Observando detenidamente, veo un gran arco de piedras con un mensaje plasmado sobre las rocas que dice “Tierra de Poetas”, dando así la bienvenida a sus visitante, mi imaginación se abre sintiendo cantos de poesía en mis oídos al escuchar el sonido del viento y de los pájaros, empiezo a pensar que estoy en un lugar con pocas atracciones pero con mucho que contar, ya que se encuentra lejos y escondido.

Lo que  la comunidad no sabe es que entre ellos vive un  artista, el pintor  y escultor Renato González, mejor conocido por ellos como “El Chaman”. Llegué al punto de encuentro,  fuera del museo del pueblo “el Centro Cultural Sor Juana Inés de la Cruz”, esperé quince minutos a  que Renato llegará por mí para posteriormente dirigirnos a su rancho.

Anteriormente, vía telefónica me comentó que siempre en las primeras visitas al rancho era casi imposible llegar, dado que la comunidad no tiene señalamientos ni nombres exactos de las calles.

A lo lejos veo un carro de color blanco como  me lo indicó, he de confesar que  era amante y admirador de su arte sin  conocer su rostro y fisionomía ya que es un poco reservado con su  imagen y para dar entrevistas.

Tenía demasiadas  imágenes en mi mente de como seria, algunas de ellas lo recreaban como un personaje con estilo acaudalado, con un toque fino y elegante en su manera de vestir, mostrando un estilo sobre él mismo al ser un artista internacional y  poseer premios como Salón de arte joven,  dos veces ganador del Bienal Rufino Tamayo,  y el Bienal José Clemente Orozco entre otros.

Cuando bajó de su vehículo, reflexioné que cada artista tiene sus propias cualidades y la de él es traer un sombrero de paja,  con  una camisa  roja  a cuadros, un paliacate del mismo color  amarrado al cuello como lo hacían los grandes muralistas,  botas de trabajo y unos vaqueros que llevaban las marcas de la guerra entre la creación y recreación de sus arte.

Me saluda amigablemente diciendo -Este es mi refugio- me da un apretón de mano y reitera –Este es el refugio que me permite  tener calma  para la creación de mis obras pero ahora sígueme al rancho porque es complicado llegar-. El camino fue verdaderamente complicado, algunas calles son cerradas y no tienen sentido estricto en su mayoría. Después de varias curvas llegamos a una calle empedrada, directa y larga hacia la puerta del rancho.

El rancho lleva  por nombre “Las Gaviotas Blancas”, lo primero que hice fue disponerme a estirar las piernas mientras siento la pureza del aire  y la gran diferencia con la ciudad. Comenzamos rompiendo el hielo con un breve tour, veo que tiene una atractiva dimensión territorial y cuenta con gallineros, y árboles frutales en demasía, Renato comenta que  todo es para consumo propio y esta libre de transgénicos.

Detenidamente y sin dejar de prestar atención en sus palabras, empiezo a viajar a través de los colores de las frutas y de la naturaleza en general, como si todo lo que tengo frente a mí  fueran una pintura de verdad y su  única diferencia añadiera el sentido del gusto y entonces el sabor me pareció exquisito.

Caminando sobre las tierras aradas  me  refiere que él es una persona muy alejada de la sociedad y si aceptó conocerme  fue por mi juventud, creyendo que poca gente joven tiene aprecio por el arte.

Llegamos al estudio después del pequeño paseo, me invita a pasar y la primera percepción es de admiración, por que el estudio de un artista es la zona mas personal que pueda tener, allí es el encuentro  entre el artista y la inspiración para la creación de su arte.

Elijo la primera silla,  que es la de mayor atracción visual y veo que sus elementos como la madera tienen la textura  de una artesanía, pero  rápidamente veo una expresión por parte del maestro y cambio de opinión sentándome en el banco mas cercano y sencillo, mi pregunta es mas que obligada -¿Es esa silla especial?- la respuesta fue simple, armada por sus propias manos y  con un diseño áureo -Es la favorita para mis pláticas o meditaciones-

Trato de concentrarme hacia él pero el estudio me tiene atrapado visualmente, quiero poner detalle a cada objetivo que veo,  como a esas frases que están plasmadas en las paredes y los libros que tiene por doquier.

Me pregunta si prefiero agua o café, es automática mi decisión después de escuchar que es un café que siembra en la región y es de sus favoritos. Hecho con cafetera  de mano tradicional, el ambiente comienza a obtener  un agradable aroma a café.

Con taza servida Renato hace énfasis a la época de los 90´s donde tuvo su periodo de fama y éxito, momento que lo llevo a exponer en  algunos países  como Estados Unidos, España y Holanda.

Estos logros también  trajeron consigo problemas personales, por la interacción con la sociedad, grandes eventos y el no saber manejar la fama. Renato reconoce que el problema de todo  fue debido a que él es un pintor de vida y no de ocupación, y cuando el deja de tener contacto con sus creaciones  su cosmos se llena por no liberar las energías  y comienza a perder la estabilidad emocional que es el equilibrio del ser humano.

Después de esto decide partir del mundo visible de reflectores, alojándose en  la Sierra de Michoacán donde tiene contacto e interacción con los nativos y algunos grupos armados con la finalidad de explicar que la diferencia entre los seres humanos no existe ya que cada uno tiene su propia condición  y ventaja pero es parte del por qué de nuestra llegada al mundo; después de largos meses allá,  recordó que gran parte de su niñez  la vivió en el rancho  y junto con esos recuerdos se traslada de nueva cuenta al lugar donde nos encontramos tomando un café.

Cruza la pierna bebiendo un gran sorbo de café  y dice pensativamente -el no estar presente en la sociedad es como el no existir, lo asumo con toda responsabilidad pero la  madurez la obtuve también porque me encontré conmigo mismo de nueva cuenta y de no haber pasado esto habría caído en la corrupción al pensar en cada inicio de obra en cuánto podré ganar con esto y esa es la delgada línea entre ser un artista y ser simplemente un generador de dinero. Quiero que la gente me recuerde como el artista que dejo una huella y que cada pieza de arte sea realmente una expresión de mi ser y no una producción en serie-.

Tocan la puerta y entra una persona al estudio diciendo que lo buscan, mientras Renato sale a atender su llamado,  lo tomo como un descanso en el cual puedo realizar un pequeño recorrido del estudio. Me doy cuenta de los sonidos, escucho el correr del agua del río que pasa justo atrás del estudio y el segundo es el golpeteo del aire con los ramales, la luz natural entra por todas partes a través de las grandes ventanas y puedo pensar ese es uno de los grandes secretos de las obras.

Al final veo una frase que atrapa “LOS SERES HUMANOS SON COMO LOS AGUACATES, MADURAN HASTA LA CAJA”, y entonces regresa el artista a su estudio acompañado de otras personas, y una de ellas vienen cargándola.

Mi primera reacción es que son sus familiares y me dice que le de unos minutos para sobar a  una persona y tomo asiento mientras veo que comienza acomodar un tapete en una de las esquinas de la habitación para  sobar a una mujer de edad avanzada que tiene problemas en la rodilla y los médicos le diagnosticaron que para poder volver a caminar debe ser atendida en una cirugía, sin embargo ella tiene fe en “el chaman” y después de varios movimientos y cambios de posturas termina la sesión.

Renato hace referencia que ella estará bien solo era cuestión de acomodar algunos huesos y desbloquear algunos nudos de energía, después de unos minutos de reposo ella se levanta con ayuda de sus familiares, su postura es diferente y puede apoyarse sin ayuda; en ese momento Renato le pide intentar caminar y asombrados la familia y mucho más yo, la señora comienza a caminar por sí sola.

-Se los dije el chaman  tendrá mi solución- dijo efusivamente la mujer.

Después de ver mi cara de sorpresa  y sabiendo que es la hora de comer, me invita a pasar a la cocina y durante este recorrido veo una capilla que seguramente tiene mas de 100 años de antigüedad y  me lleva a conocerla.

Cuando entramos  me doy cuenta que  ahora es el lugar donde resguarda sus obras  y son bastantes al estar dedicado en cuerpo y alma a la pintura, es un paraíso para los amantes del arte, ver obras como Picasso en bicicleta, Tao, la última cena y otras que en su mayoría son inéditas me hace pensar que es un momento invaluable.

Luego de varios minutos  continuamos el camino hacia la cocina donde cada uno se preparara sus alimentos, una agradable comida con productos de su granja. Nos disponemos a seguir la charla sin olvidar otro la taza de café y le pregunto ¿Cómo llegó a ser pintor?

- A los  16 anos me corrieron del Colegio de México por ser mal alumno, pero no todo era malo en ese momento, logré el record nacional de nado libre y mis inquietudes me orientan a comenzar a pintar como algo nato y  entonces me di cuenta que  la pintura es el placer y terapia de toda mi  vida  y la natación una simple rutina-

Posteriormente estudió en la Escuela de Arte del Lago y terminó la carrera en la Esmeralda una Institución especializada en  Artes Visuales.

Renato describe que  el arte es la parte mas irracional de los artistas y recuerdo que muchos artistas también  tienen un pasado oscuro o difícil y él no podía  ser la excepción.

Ya  caído el atardecer y sin mas café en mano doy las gracias por la oportunidad de conocer, la forma de vida del artista y el humano.

Para finalizar me pide que realice una actividad, el elije una canción y yo selecciono una obra, ¨This is the end¨, que causo atracción en mi desde el primer momento que la vi en la pared de el estudio, teniendo que concentrarme, entro en un silencio  donde solo existíamos la canción la obra y yo, mis sentidos captan el primer sonido , es el de unas hélices, era tan reales como si  todo pasara de cerca, comienzo  visualmente la  recreación de la obra  al ritmo de la música intentando descifrar formas, colores y sentidos como si lo viviera al instante; después de esto jamás volveré a ver  alguna simplicidad en sus obras.

Me despido dándole un abrazo fraternal por el recibimiento. Deja en claro que las puertas están abiertas para  volver y seguir  contestando preguntas que he de tener, esperando un reencuentro no muy lejano.

Using diverse strategies and materials, spanning from the installation of light filters and translucent materials to the use of photography, the Brazilian artist Lucia Koch critically dissects the issues of space. Introducing subtle alternations in private and public spaces, she questions what constitutes a space, how do we create it and how do we live it. Working in situ, the artist departs from the particularity of a location to reshape its experience and open up new perspectives on its structures and functions. However, in her site-specific interventions the original space always remains legible. Koch modifies a space without erasing its singularity. As such, her work simultaneously locates the viewer both inside and outside a space—in an ambiguous position, which generates a critical attitude toward architecture and its effects.

Lucia Koch’s exhibition at Lucía de la Puente, Un Tour, was centered around/on a wall. Characterized by its irregular curved form, its undulating surface, and its brown color, the wall articulated the antithesis to the rational architecture of the gallery. Diagonally installed, it distorted the spatial unity of the room and obliged the visitors to make ‘un tour’ in what is normally an open surveyable space. By altering the gallery space and choreographing the visitors movement, Koch’s exhibition articulated a critical exploration of the significance of the gallery as a physical space and as a defining context.

Koch’s wall created two spaces, both marked by the conflict between the geometric architecture of the gallery and the organic design of the wall. In the first space the gallery context disappeared in favor of the physical space. The wall did not appear as an object but as an element emphasizing the spatial structure of the gallery. In the second space, however, the gallery context prevailed due to the presence of a photograph of the interior of an coffee package, enlarged to an architectural scale (Café extra-forte, 2011). The wall no longer appeared as an structural element; instead, it appeared as a sculpture, reflecting the qualities of borders, separations, and divisions—or what could be called the aesthetics of walls. Consequently, instead of simply contrasting ‘the white cube’, the wall created two dialoguing rooms, which both, in turn, challenged the experience of the gallery with the presence and absence of objects.

If the wall altered the space structurally, the photograph Café extra-forte transformed it illusorily. Yet both evoked the expansion of space beyond the visual and physical borders surrounding us. The wall was perforated but not transparent; thus it incorporated the presence of the other side without making it visually accessible. Similarly, the photograph virtually expanded the room only to impose yet another border. Through this process of creating and denying spaces, Lucia Koch emphasizes the surface of walls as an element of communication between the inside and the outside, the internal and the external—a motive that also returns in her photographic series Cono Norte (2011).

Café extra-forte prefaced the four photographs exhibited in the last room of the gallery. Produced during the artist’s travels through el Cono Norte, the northern district of Lima, this series reflects her impressions of the regional architecture. Each photo exposes the interior of a box, marked by cuts and in some cases colors. Parallel to her series of Amostras de Arquitetura, they represent specific architectural spaces on a miniature scale. Whereas most of the photos only display basic interiors, such as Los Olivos, 2011, others have more elaborate designs, such as San Martin de Porres, 2011. Through their differences, the photographs demonstrate the heterogeneity of the architecture of the region. Heavily influenced by a massive rural urban migration and a decade of intense economic activity, el Cono Norte is marked by a persistent conflict between center and the periphery, wealth and poverty. As one of the most populated areas of Peru, its architectural landscape is in a state of flux. Koch expresses the transitoriness inherent to this situation with the use of cardboard boxes. In the photograph San Martin de Porres, 2011, this material yields a beautiful confrontation with the elegant design, making explicit the coexistence of divergent realities within this zone.

Although Lucia Koch’s work incessantly suggests the endless expansion of space, it stops short of actually showing what lies beyond the sphere of the interior. Only vague impressions of the outside penetrate the cut out windows in the Cono Norte series. Nonetheless, far from recovering the interior at the expense of the exterior, Koch focuses on the borders and transitions between the inside and the outside through her ongoing interest in windows, walls, and other visual filters. Empty and thus reduced to their structure, the interiors render a direct confrontation with spatial limitations that continuously surround us all. Going further still, each one being unique, they also represent intimate personal spaces which, uncovered, expose barriers between you and the other.

Exhibition: Lucia Koch, Un Tour

Venue: Lucia de la Puente, Lima

Author: Laurens Dhaenens

Interview by Anjali Gupta:

Anjali Gupta: Talk to me about your shift from straightforward to nontraditional portraiture and landscape photography. Was there a specific inspiration for this?

Rodolfo Choperena: Yes. Olafur Eliasson exhibited a piece at the 2005 Venice Biennale called “Your Black Horizon” in a pavilion designed by David Adjaye. In 2007, the piece moved to Lopud, Croatia. In essence, it is a single beam of light that surrounds the space, 360 degrees, shifting through the color spectrum of a single day every 15 minutes.

I traveled to Lopud specifically to see the installation. It was an overwhelmingly contemplative experience, and after what seemed like hours, I began taking pictures. In reviewing these images—snapshots, really—I became obsessed with the subtleties of captured light: tonal shifts and fractures that the eye fails to notice.

AG: It is interesting that the impetus for a major shift in the way that you harness photography was inspired by happenstance, but the process you have developed has become, over time, quite regimented.

RC: When the work was first taking form, it was all about wonderment—about the unseen world—but it wasn’t until after my first series was printed that I began to explore the potential for staging and further in-camera manipulation. I traveled to Careyes, Mexico. Call it the prismatic effects of optics, the magnificent light of the Pacific or just an epiphany, but in that second series, everything changed. I began to really see the way that light refracts and bends and curves in three dimensions. It does so naturally, but we simply don’t notice. It’s all about physics.

AG: All of that is in keeping with the basics of how the medium itself works, but what you are doing obliterates the immediacy of the photographic process in terms of the way people digest and process (or rather, don’t process) images. We’ve come to understand the photographic image as a journalistic rendition of reality and don’t even think about how—or how much—they are being manipulated by what they see. But when one stands in front of one of your pieces, they know that they are being manipulated, and that can be a source of discomfort.

RC: That brings us back to process, and how my process is evolving. I started by shooting what I saw. Then the inner art director came out to play…what if there were deeper tones of blue here, or a shock of pink there? I soon started incorporating textiles into the work, which was the first element of staging I explored. It is a way of injecting and sharing a piece of the personal.

AG: Do you feel that the longer you explore this process, the more elaborate this is becoming—and will become?

RC: Absolutely. In the current series produced for my exhibition at Blue Star Contemporary Art Center, I set out to do a study of light, breaking it down into the rather simple way that the eye sees and interprets color. Beyond chroma, in choosing the final images, I looked for texture, depth. Beyond all else, I look for beauty. They—the images—must speak to me. The images must have a sensual quality that goes beyond the parameters of an exploration of the physics of light.

Shadows, too, are of the essence. Look at the hyperreal work of Claudio Bravo and Jason Martin, two of my favorite artists. Bravo, even more so than Martin, achieves multidimensional effects even in monotonal, monochromatic work. Subtleties intertwine in the most sensuous of ways. That is what I am trying to achieve in this series.

Watch Rodolfo Choperena’s video: www.vimeo.com/27203564

Please visit the Exhibition of Rodolfo Choperena at Blue Star Contemporary Art Center – San Antonio, TX

Fine Art Funds – Taking the soul out of art investing?

AUGUST, 2011

Throughout history, retailers and individual collectors have been trading valuable works of art, whether for pleasure or investment potential. As far back as the 1800’s art trading clubs were formed and investors would gather to discuss their collections and potentially trade works. It wasn’t until after the year 2000 that commercial art funds began to gain traction as investment vehicles. At that time a number of entrepreneurs from the financial and arts industries who had a strong personal or vocational interest in art set up these funds, a number of which have fizzled out over the years. An art fund, much like a hedge or private equity fund, provides commercial rewards to both the capital providers and the fund managers. Considered by those involved to be a sophisticated type of alternative investment, art funds provide a long-term hedge during periods of financial crisis and inflation. For this feature, ALI spoke to two prominent fine art funds as well as to top art advisors to understand and analyze strategies of art investment funds as well as the recent growth in the Latin American sector Read More…

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The Artistry and Stability of Colombian Gold

Gold Art Investment in Colombia

The history of pre-columbine gold mining dates as far back as the years 1-1000 A.D. Some of the world’s earliest discoveries have been made in Northeastern Colombia from the Tairona Culture, Early Zenu Culture and the Muisica Culture.

The important gold mining center of Buriticá, in the mountains of Colombia’s northern Antioquia Province, exploits rich… Read More…

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Alicia Framis photograph of a naked man spikes traffic

We could have not imagined that the #5 “Pageviews” listing in our traffic report would be a photo of a naked man by Spanish artist Alicia Framis called: “8th June, female models have a day off, Madrid”. We have had Picassos, Diego Riveras, Frida Kahlos, Gabriel Orozcos boost our traffic at any given day and it is expected to see an increase. This one really caught our attention as we were looking at the link trying to imagine what artwork could have been ahead of so many others that you would think of. You must see this image; it is a great photograph. Warning: if images of naked people offend you, do not open the link below.

Alicia Framis’ Photograph

Until Next Time,

Laura Cunningham
Director

The New Soumaya Museum is Inaugurated

Replacing a smaller museum located in the south part of Mexico city and with works by great masters like Diego Rivera, Auguste Rodin and Leonardo Da Vinci amongst what will be a rotating exhibition of close to 66,000 artworks so far – and counting, the Soumaya Museum was inaugurated last Tuesday in the northwest part of Mexico City. The museum will open to the public on March 28, 2011 and will be closed on Tuesdays. Admission will be free.

The Soumaya will display one of the vastest collections of European and Latin American Art in Mexico. The collection is owned by the world’s richest man, telecom billionaire Carlos Slim Helu and its name comes after Slim’s late wife Soumaya Domit Slim. The six-story modern building, beautifully designed by Slim’s son-in-law architect Fernando Romero is covered by 16,000 aluminum panels with a curvy landmark design on the outside, and the spectacular 183,000 feet of interior halls interconnected by stairs, ramps and elevators.

The inaugural exhibition will display some 6,200 artworks, which account for about 10% of the complete collection. The 800 million dollar building has a steel structure and it is armed with the latest technology such as controlled temperature and humidity to hold its artworks in the best of conditions.

The first and second floors hold gold and silver pieces, viceroyalty coins, Mesoamerican ceramic, stone and shell pieces. The third and fourth floors exhibit old European masters, New Spain masters, landscapes, portraits and various other art objects. The fifth floor exhibits an impressive collection of what refers to “The Mexican School of Painting” lead by Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, amongst many more such as the initiators of the called “The Rupture Movement”; a group of artists from the 1950’s heralding a huge change in Mexican aesthetic expression and it is known to be responsible for the cosmopolitan direction in which art in Mexico has been developed since. With Auguste Rodin as the main theme, the sixth floor holds “The Rodin Era”, also with works by Emile-Antoine Bourdelle, Camille Claudel, and one of his pupils Jean-Baptiste Carpeaux; it is said to be the most spectacular of all halls and the second most important Rodin collection in the world.

The Soumaya Museum has the most important collection of European art and Latin American art in all Latin America and it is the fastest growing private art collection in the world. Are Mexicans proud of getting a museum from their fellow citizen named the richest man in the world? At least Slim is not keeping his collection to himself. I am proud to have a country inundated with art wherever you go, rich areas, poor areas, parks, corners, circles; art is abundant and it is one of our biggest assets. Mexico is one of the most cultural cities in the world where people, rich and poor, identify themselves with culture in general; it is part of who we are. Mexico City is located on what was the capital of the Aztec Empire in pre-Columbian times and you may feel the power of the Aztecs in areas such as at the Templo Mayor. It is common to see old people, young people, families or groups of friends gather together to go to the museum for the newest exhibition or to check the permanent exhibition once again.

The Soumaya Museum just adds to that. And I am also excited for the upcoming museum that will hold the Jumex Collection, which will be the most important collection of Contemporary art, and it is being built right by the Soumaya and flanked by a new theatre as well.

Until next time,

Laura Cunningham
Director

As an art lover, I cannot fit one more artwork on any wall of my house. We have paintings and sculptures stacked on the floor of my studio and we are about to be forced to sell some of them and to give others away. We would also like to replace some of what is already hanging which we often do.

An artwork may carry out many different stories. Where you bought it or who gave it to you; where it was framed; what the subject is; what was the artist thinking? What were you thinking? An artwork can create so many topics of conversation, and people get to know you better once you give the story of one particular piece. Some art tells you about a specific culture or a political movement in any given country; some have happy subjects or amazing colors, some become part of our history.

You don’t have to be in the art business to have one or lots of them. Nobody should be intimidated by art wherever they see it. If you have empty walls, I strongly suggest you start little by little, one at a time, to buy art that attracts your eye and your soul, that makes you curious, that reminds you of something or some place. Art does not have to be expensive or from a known artist. My biggest advice is: buy original art. You can buy original art for $50 dollars or for thousands of dollars. If your budget is lower than $1,000 dollars you may start at an antique shop or even at an estate sale where you can find many varieties. Also, when you like a painting or a sculpture for example, it does not have to match any of the color schemes at your house – it will look great regardless.

Original art does two main things: it helps the artist make a living and it becomes an investment for you. Sometimes when you buy art at a furniture store or from say a decorator, you will likely buy art made in series meaning there are hundreds or thousands exactly the same. It is often worth 1 cent on the dollar and it does not carry as interesting of a story than an original bought at a place that is a bit more specialized in art or artifacts or directly from the artist. Nothing wrong with decorative art, it’s just a matter of choice.

Established galleries may carry some affordable known artists. You would be surprised at some of the names and what the prices are. For example, you may find a Diego Rivera original ink on paper for $6,000 to $10,000. You may also find other known painters such as Francisco Toledo, Jesus (Chucho) Reyes Ferreira or Francisco Zúñiga with drawings or etchings priced at $4,000 to $8,000 dollars. You may also find great oil paintings from artists getting established for $10,000 or less. You may discover an artist that you love and follow his/her career. If from a gallery, make sure to always get a Certificate of Authenticity signed by the artist or the organization that represents the artist or his/her estate.

Art is erroneously known to be for snobs. It is not. Owning art is like owning a good book or a nice table. It is part of who you are. The story of an artwork is most importantly for you to enjoy. When you arrive at your house or office and you see an artwork, it will always remind you of an experience you had before, during or after you acquired the artwork and it will enhance your life by creating a beautiful environment filled with your own story.

You may add this to your New Year resolutions: “Buy more original art”.

Make it a wonderful New Year!

Laura Cunningham
Director